Zapraszamy do Lublina wszystkich miłośników tańca na warsztaty prowadzone przez Gości Festiwalu.
W tym roku zajęcia poprowadzą pedagodzy:
Amy Bell & Jamie McCarthy / Wielka Brytania, Lucy Suggate / Wielka Brytania, Inna Aslamova / Białoruś, Adi Weinberg / Izrael, Dimitra Mertzani / Grecja, Themis Andreoulaki / Grecja, Danai Pazirgiannidi / Grecja.
16 listopada / sobota /
Grupa A – zaawansowana
10.00 – 11.30 – Dimitra Mertzani / Grecja
11.45 – 13.15 – Themis Andreoulaki / Grecja
13.30 – 15.00 – Amy Bell & Jamie McCarthy / Wielka Brytania
15.15 – 16.45 – Lucy Suggate / Wielka Brytania
Grupa B – średnio zaawansowana
10.00 – 11.30 – Danai Pazirgiannidi / Grecja
11.45 – 13.15 – Maria Bregianni / Grecja
13.30 – 15.00 – Lucy Suggate / Wielka Brytania
15.15 – 16.45 – Amy Bell & Jamie McCarthy / Wielka Brytania
Grupa C – początkująca
10.00 – 11.30 –Amy Bell & Jamie McCarthy / Wielka Brytania
11.45 – 13.15 – Lucy Suggate / Wielka Brytania
17 listopada / niedziela /
Grupa A – zaawansowana
9.00 – 10.30 – Amy Bell & Jamie McCarthy / Wielka Brytania
10.45 – 12.15 – Lucy Suggate / Wielka Brytania
Grupa B – średnio zaawansowana
10.00 – 11.30 – Adi Weinberg / Izrael
11.45 – 13.15 – Inna Aslamova / Białoruś
13.30 – 15.00 – Amy Bell & Jamie McCarthy/ Wielka Brytania
15.15 – 16.45 – Lucy Suggate / Wielka Brytania
Grupa C – początkująca
10.00 – 11.30 – Inna Aslamova / Białoruś
11.45 – 13.15 – Amy Bell & Jamie McCarthy / Wielka Brytania
NAUCZYCIELE:
AMY BELL, Wielka Brytania
Jest artystką, która w swoich artystycznych poszukiwaniach dotyka tematyki „queer”, języka mówionego oraz ruchu. Jest choreografką, pisarką, kuratorką i facylitatorką, której praktyki ruchowe służą do rozbijania binarnych konstruktów tożsamościowych.
Będąc uznaną artystką, Amy współpracowała w wielu pracach o charakterze site-specific, teatralnych oraz przy instalacjach z takimi artystami jak: Lea Anderson, Hussein Chalayan & Damien Jalet, Tino Sehgal, Alessandro Sciarroni, Chiara Frigo i Maresa von Stockert’s Tilted Productions. Amy była Artystką Współpracującą, a obecnie jest Managerem do spraw rozwoju w The Place w Londynie.
Jej głównym zamiarem jest zniszczenie myślenia bazującego na założeniu „my” i „oni”, skłaniając nas do refleksji nad ucieleśnieniem, doświadczeniami grup wykluczonych oraz relacji między widownią, artystami i instytucjami. Tuż obok “The Forecast”, siostrzana praca TOMBO(Y)LA jest instalacją przedstawiającą rozmowę i taniec, zajmując przestrzenie galerii. Jej twórczość jest zorientowana politycznie, jednocześnie będąc wyjątkowo przystępnymi – jej prace tworzą wspólnotowość, jednocześnie celebrując indywidualność.
JAMIE MCCARTHY, Wielka Brytania
przez wiele lat występował i komponował muzykę w rozmaitych sytuacjach, z głównym naciskiem na łączenie form artystycznych w swoich pracach i kolaboracjach. Ostatnie projekty były związane ze współpracą z takimi artystami jak: Joanna Young, Seke Chimutengwende, Fevered Sleep, Raquel Messeguer, Dog Kennel Hill i Simonetta Alessandri. Przez wiele lat uczył muzyki w London Contemporary Dance School i miał przyjemność spędzić osiem lat na wspaniałej trasie koncertowej dookoła świata, występując jako skrzypek z wyjątkową kanadyjską grupą The Hidden Cameras. Jamie wydał również „symfoniczną muzykę typu drone” pod nazwą „CERFILIC”.
Opis zajęć:
Amy poprowadzi warsztaty oparte na wykorzystaniu dynamicznych ruchów przy akompaniamencie improwizowanej na żywo muzyki skrzypiec i elektroniki, tworzonej przez artystę Jamiego McCarthy. Zaczniemy od pracy z oddechem, skupieniu się na swoim centrum i zaktywizowaniu zmysłów, aby odnaleźć połączenia energetyczne w swoim ciele. Warsztaty będą się rozwijać odzwierciedlając wzorce pracy nad koordynacją ruchowy uwzględniając rejestr z poziomu do pionu. Będzie czas na wsłuchanie się w muzykę i poczucie jej w naszych ciałach, na powtarzanie funkcjonalnych i płynnych ruchów na podłodze, improwizację ruchową oraz przestrzenne sekwencje ruchowe, które budują złożoność naszej wyobraźni. We wspólnych ramach warsztatowych skupiamy się na pędzie, uważności oraz indywidualnych poszukiwaniach.
LUCY SUGGATE, Wielka Brytania
Jest tancerką i choreografką. Zyskała uznanie dzięki jej wewnętrznie złożonym oraz przejmującym spektaklom solowym, jak i grupowym instalacjom, które zawierają elementy współodczuwania oraz współzależności i traktują sztukę performatywną jako akt grupowego ucieleśnienia.
Jej podejście do tańca jest zakorzenione w ruchowej praktyce, która jest niekończącym się poszukiwaniem rozwoju zarówno na poziomie percepcji, jak i fizyczności. Dla Lucy te momenty ujawniają się podczas pełnego udziału ciała w długotrwałym procesie ruchu, ale i myślenia. Jej podejście jest często wspierane przez elementy takie jak dźwięk i muzyka, które przyśpieszają proces dochodzenia do alternatywnych stanów świadomości, w których jakości takie uwaga, gotowość do działania czy artykulacja ruchu osiągają punkt szczytowy. To właśnie w trakcie tych odmiennych stanów pojawia się miejsce dla nowych pomysłów, rozwiązań oraz możliwości.
Obecnie jej uwaga skupiona jest na zagadnieniu tworzenia przestrzeni i warunków, w ramach których można wspierać rozszerzone i bardziej płynne podejście do tańca i choreografii, zarówno w odniesieniu do roli performera, jak i widza. Prowadzenia badań, jak i zadawanie pytań odnośnie kwestii, które podważają zasadność funkcjonowania funkcjonujących systemów, które w obecnym momencie decydują o kształcie procesu twórczego. Przykład takiego pytanie to: „Co choreografujemy oraz jak tańczymy w 21 wieku, epoce kryzysu, złożoności, sprzecznych opinii oraz ogólnej dostępności do informacji?”
Opis zajęć:
W trakcie zajęć przyjrzymy się sposobom na poszerzenie naszej świadomości odnośnie tego dlaczego poruszamy się w dany sposób. Lekcja będzie zawierać elementy fizycznych, słownych oraz bardziej lirycznych sugestii do zrealizowania przez uczestników. Punktem odniesienia będzie dla nas improwizacja oraz somatyczne podejście do ruchu.
DIMITRIA MERTZANI, Grecja
Jest niezależną tancerką oraz absolwentką szkoły tańca the National School of Dance w Atenach w Grecji. Współpracowała z takimi choreografami jak Christos Papadopoulos, Ermira Goro, Hannes Langolf, Tzeni Argyrioy, Patricia Apergi i Kat Valastur, dodatkowo była aktywnym członkiem grupy tanecznej Hellenic Dance Company. Obecnie wystawia produkcje taneczne na terenie Europy oraz pracuje jako nauczyciel tańca, głównie w Atenach.
MARIA BREGIANNI, Grecja
Ukończyła szkołę tańca „DEPAK” w Kalamacie oraz Państwową Szkołę Tańca w Atenach. Współpracowała z takimi choreografami jak: Dimitris Papaioannou (spektakl „NoWhere” oraz podczas ceremonii na otwarcie Europejskich Igrzysk Olimpijskich w Baku pod dyrekcją artystyczną Papaioannou), Christos Papadopoulos (spektakle „Elvedon”, „Opus”, „ION”). Występowała jako tancerka w filmie „Suspiria” w choreografii Damiana Jalet. Brała udział w warsztatach u następujących pedagogów: Keren Levi, David Zambrano, Frey Faoust, Inaki Azpillaga, Ted Stoffer, Anton Lachky, Milan Herich, David Hernadez, Renata Graziadei, Laura Aris Alvarez, Damien Jalet, Meytal Blanaru, Ernesto Edivaldo, Peter Jasko.
THEMIS ANDREOULAKI, Grecja
Urodziła się w Amsterdamie, a wychowała się w Atenach w Grecji. W 2014 ukończyła, z wyróżnieniem, szkołę muzyczną the Experimental Music Hight School w Pallini, a w 2018 roku szkołę tańca the Greek National School Dance, również z wyróżnieniem. Zarówno w Grecji, jak i poza jej granicami, Themis pracowała jako artystka wraz z innymi choreografami i reżyserami, takimi jak: Christos Papadopoulos, Fanny Ardant, (LA)HORDE collective, Anastasia Lyra, Elena Antoniou, Anton Lachky i Panos Angelopoulos. Oprócz występowania, swój obecny czas poświęca również na studiowanie na Uniwersytecie Ateńskim (Wydziale Badań Teatralnych) oraz oraz kształci się w kierunku prowadzenia metody pilates.
Opis zajęć:
Zajęcia będą inspirowane narzędziami i metodami wykorzystywanymi przez Christosa Papadopoulosa w jego działalności artystycznej. Po krótkiej rozgrzewce, zapoznamy się z podstawowymi zasadami jego pracy oraz skupimy się na intencji stojącej za podejmowanymi działaniami oraz zaangażowaniu w powierzone zadania. Położymy nacisk na zrozumienie faktu, że celem ruchu nie jest doprowadzenie go do końca, a sam proces przeprowadzenia go. Naszym celem jest znalezienie jak największej swobody ruchu, który jest specyficzny, a zarazem prosty. Uczestnicy otrzymają swobodę i czas na ucieleśnienie tego procesu.
ADI WEINBERG, Izrael – Polska
Jest absolwentką Haifa Program for Professional Dancers, odbyła też staż w Vertigo Dance Company. Jako tancerka współczesna występowała na wielu festiwalach na całym świecie. Współpracowała z Fresco Dance Company, Operą Izraela oraz wieloma choreografami, takimi jak Andrea Costanzo Martini, Nadar Rosano, Efrat Rubin, Rachel Erdos, Noa Zuk, Aviv Eveguy, Shimrit Golan, Yuval Goldstein, Sharon Vaisvaser, Deganit Shemi, Michael Miller. Adi nadal rozwija się jako choreografka i występuje przy różnych okazjach i festiwalach, jak np. Machol Shalem International Dance Week, Tel Aviv Dance Festival w Suzanne Dellal, Międzynarodowe Spotkania Teatrów Tańca w Lublinie, Festiwal KRoki w Krakowie i wiele innych. W 2017 roku uzyskała grant od Mifal HaPais, Rady do Spraw Kultury i Sztuki na rzecz rozwoju jej choreografii. Adi jest nauczycielką Gaga (metody ruchu rozwiniętej przez Ohada Naharina, dyrektora artystycznego i choreografa Batsheva Dance Company). Dodatkowo, jest certyfikowaną terapeutką Shiatsu, masażystką Ayurveda-Seed oraz instruktorką Pilates.
Opis zajęć:
Sense-In
Percypowanie można zrozumieć jako proces organizacji, identyfikacji oraz interpretacji informacji, które docierają do nas poprzez nasze zmysły, aby nadać znaczenie napotkanym fenomenom. Interakcja za pomocą zmysłów z udziałem dźwięków bądź światła krystalizuje się jako nasze doświadczenia oraz obrazy, które zostają ucieleśnione. Zaczniemy nasze warsztaty od rozgrzewki opartej na fizycznych jakościach fal dźwiękowych. Będziemy eksplorować takie elementy jak: formy fal, cykliczność, zmienne prędkości, kompresja kontra brak, trzęsienie oraz rozdysponowanie różnych jakości. Będziemy pracować nad pobudzeniem naszych zmysłów w celu połączenia się zarówno z naszym wnętrzem, jak i otoczeniem naszych ciał, zbieraniem informacji oraz doznań oraz przetwarzaniem ich w pamięć cielesną. Użyjemy wspomnień, aby znaleźć różne jakości. Będziemy także pracować z materiałem z mojej ostatniej pracy solowej pt. „Babie lato” i użyjemy ciała jako pośrednika oraz narzędzia do tworzenia ekspresji oraz podmiotowości.
INNA ASLAMOWA / Białoruś
Tancerka, choreografka, pedagożka, organizatorka wydarzeń kulturalnych związanych ze sztuką tańca współczesnego na Białorusi. Zdobywała wiedzę podczas wizyt na szkoleniu ADF w Moskwie oraz podczas wielu warsztatów w Europie. W 1994 roku utworzyła Contemporary Dance Group “Quadro”, a w 2014 roku z Daniilem Belkinem (Ukraina) utworzyli Projekt Taneczny ID. Wraz ze swoimi tancerzami zrealizowała ponad 15 sztuk i projektów, które były wystawiane w różnych państwach europejskich, Korei i Wielkiej Brytanii. W latach 2001 – 2008 roku pełniła funkcję kierownika Wydziału Tańca Współczesnego Szkoły Tańca dla Dzieci w Homlu. Obecnie pracuje również ze studentami na Uniwersytecie Sztuk Pięknych w Gomel i rozwija tam swoją własną metodę nauczania. Jest inicjatorką oraz współdyrektorem artystycznym na Festiwalu Teatru Ruchu i Tańca “PlaStforma-Minsk”. Otrzymała nominacje dla „Najlepszego Pedagoga Tańca” i „Najlepszego Choreografa” konkursu narodowego IFMC. Naucza technik tańca współczesnego, improwizacji oraz kompozycji dla dzieci i dorosłych w ramach festiwali oraz programów edukacyjnych na Białorusi,w Polsce, Mołdawii, Francji, Rosji, Ukrainie, Szwecji i Niemczech.
Opis zajęć:
Uważam, że nasze ciało jest naszym najbliższym partnerem, posiadającym świadomość i ogromne możliwości. Możemy się go nauczyć, możemy się nim bawić! Porzućmy więc pomysł zmuszania naszego ciała, aby robiło to czego chcemy. Porozumiewajmy się z naszym ciałem, aby współpracować podczas wykonywania ruchu. Będziemy wykonywać ćwiczenia na powiększenie zakresów naszego ciała oraz nabywanie nowych jakości. Będziemy pracować z partnerami, którzy pomogą nam stać się obserwatorami naszego ciała podczas podejmowania decyzji.
KRYTERIUM PODZIAŁU NA GRUPY:
Do grupy zaawansowanej A zapraszamy osoby spełniające każdy z następujących warunków:
– systematyczny, aktywny udział w spektaklach teatrów tańca / projektach o zasięgu krajowym jak i międzynarodowym,
– bardzo dobra znajomość nomenklatury tańca współczesnego,
– wysoka świadomość własnego ciała,
– regularne uczestnictwo w warsztatach technik tańca współczesnego w kraju i zagranicą od powyżej 7 lat
Do grupy średnio zaawansowanej B zapraszamy osoby odznaczające się:
– podstawową świadomością własnego ciała,
– podstawową znajomością nomenklatury tańca współczesnego,
– udziałem w zajęciach z techniki tańca współczesnego minimum 5 lat,
– wcześniejszym uczestnictwem w warsztatach z tańca współczesnego minimum 5 lat,
– udziałem w miniaturach i etiudach z wykorzystaniem technik tańca współczesnego o zasięgu regionalnym
Do grupy C – początkującej zapraszamy wszystkie osoby zainteresowane poznaniem tańca współczesnego, chcące poznać możliwości własnego ciała oraz rozwinąć swój potencjał twórczy i zajrzeć do świata teatru tańca.
Opłata:
grupa A – 180 zł /150 zł*
grupa B – 240 zł /200 zł **
grupa C – 120 zł / 100 zł **
* opłata za udział w warsztatach dla uczestników masterclassu, oraz zajęć Centrum Ruchu
** opłata za udział w warsztatach uczestników zajęć Centrum Ruchu
UWAGI:
1. Liczba miejsc w grupach warsztatowych jest ograniczona.
2. Decyduje kolejność zgłoszeń potwierdzonych wpłatą. Wpłat prosimy dokonywać dopiero po potwierdzeniu informacji od organizatorów o wolnych miejscach w grupie na poniższe dane:
Bank PKO S.A. 61 1240 1503 1111 0010 0136 6780 tytułem „Warsztaty tańca” dowód wpłaty należy przesłać na adres: warsztaty.taniec@ck.lublin.pl
Adres odbiorcy: Centrum Kultury w Lublinie, ul. Peowiaków 12, 20-007 Lublin
3. Organizatorzy zastrzegają sobie prawo przekierowania Uczestnika do innej grupy.
4. Na zgłoszenia potwierdzone wpłatą czekamy do dnia 13 listopada 2019. Po tym terminie rezerwacje miejsc w grupie nie potwierdzone wpłatą będą zwalniane.
5. Warsztaty są adresowane do osób powyżej 16 roku życia.